Скетчинг - это хороший способ улучшить уровень своего рисования, развить свое творческое мышление, получить море положительных эмоций и укрепить свое здоровье.

  1. Скетчинг -отличный способ повышения уровня рисования
    Опыт художников показывает нам, что существует несколько способов воплощения художественной замысла. Как известно, искусство поощряет открытое мышление и большую творческую работу. Скетчинг позволяет достаточно быстро генерировать идеи и создавать творческие работы, которые можно применить в разных областях жизни. А источником вдохновения может быть практически все, что окружает художника.
  2. Скетчинг помогает развить ряд различных областей вашего мозга
    Вы развиваете свою способность увидеть красоту в обыденности, определяете интересное композиционное решение, отражаете ваше ощущение или же изображаете характерные детали.  Это помогает сосредоточиться  и качественно выполнить свою задачу, навык, который может быть очень полезен на протяжении всей вашей жизни и карьеры. Также в процессе рисования развивается координация рук и глаз, так что повседневные задачи могут стать для вас более легкими. А еще развивается стратегическое мышление, то, что каждый должен уметь делать в современном мире.
  3. Скетчинг может способствовать улучшению здоровья
    По мере того, как ваши работы становятся лучше и лучше, у вас развиваются мотивация и позитивный настрой, чувство самоуважения и уверенность в своем творчестве. Это все невероятно полезные вещи для вашей работы.
  4. Скетчинг -это отдых и релаксация
    Это одно из главных преимуществ скетчинга, как хобби. Скетчинг позволяет вам сидеть и рисовать работу в своем собственном темпе. Нет правил, и никто не говорит вам, что делать, вы можете просто рисовать все, что хотите, и получать удовольствие от процесса.
  5. Скетчинг может помочь вам улучшить свои навыки общения
    Поскольку на рисунке чаще всего нет слов, художник находит другие способы общения с аудиторией. Рисовальный опыт может помочь вам развить новые формы общения, а именно посредством изображения донести до зрителя ваши чувства и переживания. Да так что и слова будут не нужны.

Художник Пьер Огюст Ренуар родился 25 февраля 1841 в городе Лиможе (Франция) в семье портного. В 1844 семья переезжает в Париж, где позже он начинает учиться росписи по фарфору. Пьер приступил к своей работе художника по фарфору с разумным одушевлением. Он начал с изображения легких орнаментов, но уже через некоторое время ему поручили выполнять исторические портреты. Молодой художник рисовал Марию-Антуанетту сотни раз, под конец он мог это делать с закрытыми глазами. Успех, достигнутый в изображении королевы, позволил Ренуару предложить хозяину попробовать новые декоративные сюжеты. Однако, прогресс вынудил Ренуара отказаться от этой профессии. Это произошло в 1858 году, когда только что был освоен процесс печатания на фарфоре и фаянсе. 

В 1861 он становится учеником художника Шарля Глейра, в студии которого знакомится с Базилем, Моне и Сислеем, тогда же встречает Сезанна и Писсаро. Так случилось, что именно эти люди в будущем подарили миру импрессионизм.

Через год художник сдает вступительные экзамены в Школу изящных искусств и поступает в нее. В 1864 году Глейр закрыл свою студию и обучение Ренуара прервалось. Позже он говорил, что научил его ремеслу художника именно Глейр.

В 1864 году выставляет в Салоне картину «Эсмеральда, танцующая среди бродяг». Эта работа вызывала у него вскоре такое раздражение своей сумрачной академической скукой, что как только он получил ее обратно, картина была уничтожена.

Русский авангард значим для XX в. наравне с теорией относительности и полетом человека в космос. Имея противоречивый характер и пропагандируя универсальную переделку сознания общества, при этом не предлагая готовые формулы и пути решения, он спровоцировал ажиотаж вокруг поиска свежего знания.

Художественный мир начала прошлого века представлял достаточно непростую картину. Русское искусство, по сравнению с западным, где стремление к новым формам выражения было более постоянным и методическим, отличалось молниеносной сменой стилей и направлений, богатством художественных групп и объединений, имеющих свою собственную доктрину творческого развития. Напряженная политическая атмосфера в стране лишь обостряла обстановку. Своеобразная взрывная волна русского авангарда затронула все мировое искусства, уже к 1913 году укрепив свои позиции в стране и покоряя новые рубежи и горизонты. Поочередно расширяли границы влияния искусства художники В.В. Кандинский, К.С. Малевич, П.Н. Филонов, В.Е. Татлин, предоставили миру совершенно новое понятие беспредметности. Подробнее остановимся на творчестве Павла Филонова, о котором современники говорили, используя эпитеты такие как великий, величайший, смутьян холста и очевидец незримого. Сам же он характеризовал себя как художник-исследователь.

На примере картины «Формула весны» 1928-1929 попробуем понять, как художник применял свой метод и выявить, как посредством особого живописного языка он представляет зрителю художественный образ.

Прежде всего необходимо отметить к явлениям мирового искусства, повлиявших на процесс становления П. Филонова как художника. Несмотря на то что его исключили из Санкт-Петербургской Академии Художеств в 1910 году, он развил там абсолютное мастерство в рисунке, а характерная академическая педагогическая система оставила след в жизни художника. Видимо именно тогда наступил переломный момент, в следствии которого Павел Филонов изменил свой стиль работы и сформировал основы своей теории «сделанности». Также в эти годы он открыл для себя творчество Врубеля. Несмотря на то, что дневниках живописца не упоминается об этом, можно говорить и о влиянии творчества Михаила Врубеля на становление Филонова как художника. При тщательном сравнении их работ можно увидеть схожее отношение к действительности, идентичность убеждений. Проанализировав произведения обоих можно заметить, что они используют линию как некое режущее орудие, которое своей молниеносно острым движением рассекает внешний мир, отделяя контуры и формы, одновременно атомизируя эту форму изнутри. К сожалению, Михаил Александрович Врубель скончался в то время, когда Филонов только начал формулировать и пробовать на практике свою теорию художественного метода.

Уже в возрасте 3 лет у ребенка можно наблюдать первые проявления воображения. Воображение играет огромную роль в жизни человека,оно способствует развитию креативного мышления, умению генерировать смелые идеи. В современном мире человеку с развитой фантазией и воображением легче заводить друзей, налаживать новые связи, реализовывать себя в профессии. Но важно понимать, что воображение-это приобретенное качество,которое следует развивать. 

Творчество прекрасно развивает детскую фантазию и самые простые упражнения по рисованию, лепке и моделированию будут способствовать достижению Ваших целей.

Когда речь идет о русском художнике Михаиле Васильевиче Нестерове, перед глазами моментально появляются произведения с образами Святой Руси, одной из самых популярных тем в его творчестве. Помимо них знаменательны прекрасные портреты современников.

Есть мастера, чье творчество можно изучать, не касаясь фактов биографии и не упоминая о близких и родственниках. Есть и другие художники, произведения которых тесно переплетены с судьбой семьи, что делает невозможным анализ их работ, опуская семейные связи.  К числу последних, без сомнения, относится художник Михаил Васильевич Нестеров.

В начале ХХ века художник часто работает в жанре портрет. В 1907 году, сопровождая на своей персональной выставке театрального критика Ю.Д. Беляева, Нестеров говорил: «Я взялся за портреты после работ в абастуманской церкви. От мистики голова шла кругом. Думал, уже мне не вернуться к жизни. И вот набросился на натуру — да как! — глотал, пожирал». Действительно в это время у него написано много портретов. Безусловно, самой любимой его моделью была дочь Ольга. Нестеров изображал ее несколько раз. Подлинным шедевром портретного искусства мастера является «Амазонка», написанная в 1906 году.

Этот портрет поражает зрителя своей простотой и лаконичностью. Первое, что привлекает внимание это вертикально удлиненный формат холста, который ярко подчеркивает стройный темный силуэт девушки. Фигура модели статична и прекрасна, словно перед нами античная скульптура. Лишь диагональ гнута и разномасштабные горизонтальные объемы придают картине динамику.

На размышления о связи с Элладой наталкивает название работы «Амазонка». Как известно тема амазонок была очень популярна среди древнегреческих мастеров, таких как Плиний, Фидий и др.  Нестеровская амазонка, как и античная скульптура, не утрачивает своей величественной красоты на протяжении времени, оно не властно над ней.

Взгляд девушки не обращен на зрителя, как это часто бывает в портретах. Поначалу, кажется, что она смотрит куда-то в сторону, но потом становится понятно, что взор обращен вглубь нее. Художник изобразил дочь в минуты душевных раздумий и легкой грусти, в момент своеобразной тишины, которая спустя мгновение прекратится, но мгновение это длиною в вечность.

Мы смотрим на героиню снизу-вверх, будто она, словно скульптура, стоит на постаменте, в роли которого выступает земля. Почва под ее ногами тверда и совершенна. Внутренняя динамика трав не отвлекает внимания, а подчеркивает колебания воздуха, присутствующего в произведении.

Ясность вечернего пейзажа хорошо отображает ее эмоциональное состояние.

Цветовая гамма произведения целостна и гармонична, цвет и свет скользят и проникают в изображении и девушки и природы, тем самым усиливая эффект их единства.

 В этом произведении человек и окружающий мир взаимопроникают, взаимно дополняют друг друга. Одно не может существовать без другого.

Необычайного единства бытия Нестеров добивается в своем произведении, тем самым полно и совершенно точно выражая представления тех лет о красоте и гармонии.

Главным картины является даже не портретное сходство, а скорее образ молодого девушки, так как изображение дочери выражает глубоко личные представления Нестерова. Ольга Михайловна впоследствии писала С.Н. Дурылину: «Позднее некоторые из близких знакомых, больше знавшие меня в другие моменты, не находили сходства, спрашивая, почему я изображена такой, а не другой. Отец отвечал: «Я бы хотел, чтобы она была именно такой».

Мысль художника, которая прежде искала своего воплощения в сюжетах, порой мало связанных с повседневной жизнью, нашла свое выражение в близком ему образе.

Максимилиан Волошин, поэт, художник и критик, писал, что в этом портрете гораздо больше таинственного трепета, чем в раскольничьей девушке в синем сарафане в придуманной позе на картине «За Волгой», и добавлял, что в портрете дочери есть «успокоенность и дымка вечерней грусти, соединенная с четкостью и законченностью истинного мастера».

В этом портрете ярко выражена нестеровская способность поэтического обобщения. Героиня этого произведения является олицетворением настроения, представления о мире, состояния души, даже не самой дочери художника, а скорее его самого, окружающего мира, что вполне отвечает принципам романтического метода.